Above Art Magazine

В поисках смысла

Интервью с художником Акролестой (Татьяной Соколовой)

Akrolesta (Татьяна Соколова) - красивая женщина с ясным аналитическим складом ума.
Ее живопись - это смесь холодного разума Дюшана, взрывного экспрессионизма Полока и иронии Манзони, приправленных изобретательностью Пикабиа и фантазией Дали. В результате получается неповторимое блюдо.
Таланта Акролесты с лихвой хватило бы на несколько человек. В ее творчестве есть место не только картинам и графике, но и скульптурам, объектам, сценариям, повестям, романам, сказкам, лэнд-арту, паблик-арту, перфомансам, хэппенингам, дизайну и даже карикатурам.
Работы Акролесты лаконичны, символичны и ироничны. В ее творчестве мысли и чувства всегда первичны, а техника, материалы, средства реализации идеи всегда «подстраиваются» под замысел художника.

Above Art:
Стоит ли рисовать, ведь все уже нарисовано до нас?

Акролеста:
А стоит ли писать музыку, ведь Бах и Моцарт все уже написали? Сочинять песни, после Битлз или Аквариума? До Леонардо да Винчи «Тайную вечерю» рисовали множество раз. Может быть ему не стоило брать кисть?
Имело ли смысл изобретать автомобиль, когда все прекрасно умели скакать на лошади?
Мне кажется, что для человека, который творит, создает, вопрос «делать или нет?» лишен смысла.
Если есть, что сказать, если есть идея, есть мысль, то она достойна воплощения.
Вопрос стоит иначе. Будет ли она востребована? Удастся ли ее реализовать? И если посмотреть на то, что из задуманного смог реализовать тот же Леонардо да Винчи, то его жизнь скорее трагична, нежели наполнена успехами.

Above Art:
Многие известные художники всю жизнь пребывали в бедности и безвестности. Не боитесь?

Акролеста:
Точнее было бы сказать, что они не доживали до богатства и признания. Ван Гог умер в 37 лет, продав, насколько я помню, лишь 15 из более чем 2000 написанных им картин. Тулуз-Лотрек тоже умер в 36 лет и получил заслуженное признание лишь после смерти. Жорж Сера, изобретатель пуантилизма и научного подхода к цвету в живописи, умер в 31 год. Если бы Леонардо да Винчи прожил бы лишь 31 год, то ни о каком гении Леонардо мы бы и не узнали.
Но Леонардо дожил до 67 лет и до заслуженного почета. А в 30 лет он был художник без заказчиков и вообще художником считал себя в последнюю очередь. И с трудом вырвался из Флоренции, где был никому не нужен, в Милан в качестве музыканта, где оказался, наконец, востребованным… как организатор праздников. Эвент-менеджер.
Во Флоренции Леонардо фактически прозябал 15 лет. Хотя статус мастера живописи получил в 20 лет. Т.е. 10 лет никто не признавал его за достойного заказов художника.
Заказ на «Тайную вечерю» Леонардо получил в 43 года, а закончил в 46.
И тогда этот заказ вовсе не позиционировал его как столпа живописи. Это была не роспись купола или алтаря. Это была фреска для стены монашеской столовой.
«Оглушительное» признание, не правда ли?
И, спешу напомнить, что многие художники, которых сейчас считают гениальными, в этом возрасте уже были мертвы.
Впрочем, как я понимаю, Леонардо да Винчи не очень хотел быть художником. В то время для него, незаконнорожденного, это был вынужденный выбор профессии. Леонардо да Винчи скорее исследователь и изобретатель. В этом был смысл его жизни. А рисование было лишь хобби и иногда способ заработка.
Прожив 67 лет, Леонардо да Винчи свой кусок признания успел почувствовать. А если бы он умер в 31 как Сера или в 47 как ван Гог?
Ведь в 15-м веке средняя продолжительность жизни была примерно 45 лет. Так что дело не в «умерли», а в «не дожили».
Футурологи утверждают, что первый человек, который доживет до 150 лет, уже не только родился, но и на пару десятков лет старше меня. Так что у меня есть все шансы.
Луиз Буржуа сделала первую персональную выставку только после 70 лет. И до ее смерти в 98 лет выставки проходили иногда по 10 раз в год.
Так что вопрос в современном мире искусства стоит не в том «когда признают», а в том «доживет ли художник». На это есть все шансы. А вот «не сломается ли, не бросит ли». Это гораздо более сложный вопрос.
Ведь Илье Кабакову и Эрику Булатову лишь развал СССР позволил стать мировыми знаменитостями, а не сгинуть в советской социалистической бедности или тюрьме.
Мне кажется, что разумнее всего поступать как Микеланджело. Мне кажется, что он вообще был равнодушен к славе. Его интересовало только дело, только его творчество. И он творил до 88 лет.
Или можно брать пример с Анри Руссо. Он делал то, что считал нужным и игнорировал любые нападки и насмешки.
И где теперь те, кто считал его таможенником, а не художником?
А Руссо во всех крупнейших музеях.
Думаю, этот путь разумнее. Нужно делать свое дело и будь, что будет.

Above Art:
Почему Вы предпочитаете холст, а не модное сегодня мультимедийное искусство?

Акролеста:
Холст дает независимость и свободу. В сочетании с сайтами и соцсетями нужно не так много средств, чтобы создать и показать.
Но кроме холстов у меня есть сценарии, повести, романы, детские книжки. Есть проекты интерактивных выставок и паблик-арта, скай-арта, медиа-арта, хэппепенингов, перфомансов, флэш-мобов, игрушек, скульптур.
Дело же не в ткани на раме и смешанных со смолой пегментах, а в идее и наиболее удобном и точном способе высказывания. Это может быть и текст, и картина, и фильм, и погружение зрителя в некое действо.
Не материал диктует решение, а идея, мысль ищет подходящий материал для воплощения и реализации.

Above Art:
Зачем вообще людям нужно искусство?

Акролеста: А зачем нужен дворник? Чтобы улица и двор были чистыми. Зачем таксист? Чтобы отвезти кого-то в аэропорт.
На эти вопросы ответить просто.
Но на вопрос «зачем нужна теория относительности, бозон Хиггса, теоретическая физика» - ответить гораздо сложнее.
И так же сложно было во времена Герца ответить зачем изучать электричество. Герц сам говорил «Это абсолютно бесполезно. Это только эксперимент, который доказывает, что маэстро Максвелл был прав. Мы всего-навсего имеем таинственные электромагнитные волны, которые не можем видеть глазом, но они есть».
А теперь у нас герцы в каждой электрической розетке и «мы кипятим на нем воду», как сказал бы граф Калиостро.
А во времена Менделя было совершенно непонятно, зачем изучать скрещивание гороха. Даже сами ученые поняли это лишь полвека спустя.
А теперь мы покупаем каждый день в магазине результаты всей этой фундаментальной в прошлом науки. А скоро будем покупать генетические таблетки, излечивающие болезни быстро, эффективно и навсегда.
Искусство тоже про создание будущего.
Если конечно, это не злободневная иллюстрация… хотя и она тоже.
Даже китчевые слащавые картинки создают будущее. Или тоталитарный соцреализм. Вопрос в том, какое будущее создает то или иное искусство? Что создает китч, что - карикатура? Какое будущее создаст пропагандистский плакат или тоталитарное искусство, например, гитлеровской Германии?
На что будет похоже это будущее? На застенки или на свободу?
Этот вопрос основной для художника. Какие энергии он создает? Увеличивает ли его творчество количество добра в этом мире? Станет ли его творение таблеткой счастья для других людей?

Above Art:
Есть ли на Ваш взгляд какие-либо параллели между Вашим творчеством и картинами мастеров прошлого?

Акролеста:
Самой очевидной параллелью, наверно, является цикл картин ДжазАрт. Каждая картина этой коллекции посвящена творчеству одного или нескольких художников прошлого. Это как бы мой оммаж, посвящение, дружеский шарж. Но не художнику, а его творчеству или значимым событиям его жизни.
Например, импрессионисты любили работать на свежем воздухе, чтобы улавливать нюансы света. Клод Моне нарисовал 25 картин со стогами. Логично было посвятить импрессионистам дружеский шарж «Импрессионисты на отдыхе в стогах». Ведь есть картина «Бар в «Фоли-Бержер» Эдуарда Мане, запечатлевшая компанию художников на отдыхе.
Или «Портрет шляпы Джона Бальдессари». Эта картина посвящена неуемной фантазии художника, его творческой щедрости, когда из его идей, как из шляпы фокусника, вырастали стили и направления. Ну и потом, как еще иначе можно было бы изобразить человека, исписавшего стены фразой «Я никогда больше не буду делать скучное искусство»?
«Портрет Рене Магритта» шарж не столько на самого художника, сколько на его подражателей, откусывающих от идей Магритта маленькие кусочки и получая, в итоге, в своих работах лишь огрызок от яблока из картины «Сын человеческий».
«Портрет Марселя Дюшана», конечно, наиболее ироничен и составлен из двух его самых известных и провокационных работ. Это, конечно, шарж. Но что еще остается делать, если хочешь написать портрет человека являющегося крестным отцом всего современного искусства?
Разумеется, импровизацией на темы Шагала, Руссо и Гогена являются картины «Скрипка Марка Шагала» и «Девушки Поля Гогена в садах Анри Руссо».
Прямым указанием на посвящение не художнику, но его творчеству, является картина «Миры Эрика Булатова».
Если говорить о картинах цикла СмартАрт, то тут параллели более «запутанные». Не совсем «параллельные», неевклидовые, ибо во все времена были художники, которые побуждали зрителя думать. Это и Микеланджело Буонарроти и Иероним Босх. Это пересмешник Пьеро Манзони и философ Йозеф Бойс. И, конечно, Сальвадор Дали, Каземир Малевич и Марсель Дюшан.
Я думаю, что их влияние или, скорее, эхо их дыхания, можно обнаружить в картинах «Journey of brain», «Way», «Move (The people)», «Пацифик», «Сияние», «Кругозор», «Семейный портрет» и «Дуршлаг».
А коллективным посвящением художникам и творцам являются картины «Обыватель - Талант - Гений» и «Оптимист - Артист - Пессимист».
Если смотреть шире, не только на полотна, то отголоском творчества Андрея Тарковского является мой сценарий для короткометражки «Свобода». А реакцией на работы Кусамы или Дмитрия Гутова - концепция хэппенинга «Паутина света».
Если честно, то мне самой не всегда понятно, что из чего вырастает. И я не вполне уверена, что есть какой-то смысл в этом разбираться. Это епархия искусствоведов. Это их хлеб. Моя же задача - творить.